CHINA
1. Defina las principales características culturales de china.
China se encontró dividida por diferentes dinastías, aun que todas las dinastías compartían el mismo interés por mantener la tradición; estas dinastías se desarrollaron en la edad de bronce y se centraban en el culto a los muertos, los gobernantes y sus funcionarios se preocupaban por asegurar la inmortalidad y el paso a la otra vida, por ello decoraban las tumbas subterráneas, donde ubicaban el ataúd y al lado ubicaban vasijas de bronce, armas, jades tallados y elementos en cerámica con el fin de proporcionar comodidad al muerto, de igual forma las paredes de las tumbas eran decoradas con adornos pintados o tallados, los cuales eran utilizados para representar leyendas populares o actividades de la vida cotidiana.
DINASTIAS
DINASTIA SHANG: Nació directamente de la revolución neolítica (4000-200 a.c) con el comienzo de la agricultura y la domesticación de animales, aparecieron los primeros asentamientos. Los habitantes de un pueblo neolítico de la provincia de Henan, al este de china, construyeron un clan que dio origen a la civilización Shang. Casi todos los objetos de la época han sido descubiertos en tumbas, las excavaciones realizadas en la zona, han ayudado a conocer mejor su cultura y arte; se inspiraban en huesos de animales (llamados huesos de oráculo) y vasijas en bronce. Todos estos elementos se enterraban junto con el cadáver para asegurar su mortalidad. Practicaban también un sistema de veneración a sus antepasados que incluía la ofrenda de bebida y comida en los templos.
DINASTIA ZHOU: tomaron poder, y se establecieron en la frontera occidental, los Zhou conquistaron Anyang y se establecieron en la ciudad; al principio se conservo la cultura Shang, pero con la progresiva desaparición del culto a los antepasados, las vasijas que antes eran destinadas para los templos pasaron a ser preciados en sus victorias; estas vasijas solían llevar largas inscripciones explicando la concepción, que de los cuales hoy en día, sirven para conocer sobre la historia de china.
La dinastía Zhou se vio obligada a abandonar su capital, ante los ataque de las otras tribus, las representaciones de animales y monstruos totémicos dieron paso a ordenamientos abstractos, llenos de coloridos, con incrustaciones de oro y piedras preciosas; muestra la diversidad de técnicas, esculturas en madera obras de laca y cerámica.
ARTE BUSDISTA: llegado a china desde la vecina india, tuvo efecto sobre el arte del periodo de las seis dinastías, las estatuillas traídas por los budistas indios. En el siglo IV la influencia de estilos y temas produjo una nueva clase de arte y arquitectura budista dentro de la tradición. Aumento la popularidad de la escultura monumental procedente del norte de la india. Una de las contribuciones más notables a la arquitectura del periodo fue la pagoda de madera basada en la stupa india y en la torre de la dinastía han.
· PINTURA
El arte budista dominaba casi todas las obras de las seis dinastías, también estaba operándose un cambio en las tradiciones profanas. A ese periodo pertenece ku k’ai-che, considerado el padre de la pintura paisajista, dos versiones del cuento del rio y el rollo titulado consejos de la monitora a las damas de la corte, sus figuras presentan una ejecución formal, una delicadeza y un carácter etéreo
· CERAMICA
El norte de china, centro principal de la influencia budista suele ser el punto de mira de las investigaciones sobre el arte, también en el sur se produjeron avances en el terreno de la cerámica. Las primeras piezas que se conocen son de gres vidriado en verde, llamado yüeh-yao y se fabrican en los hornos de la provincia de Zhejiang. Esta cerámica se utilizaba sobre todo para la fabricación de cuencos y jarras que se llegaron a exportar a lugares tan lejanos como filipina y Egipto
DINASTIAS CH’IN, HAN Y LAS SEIS DINASTIAS: tuvo un papel muy importante en la historia de china, el debilitamiento político del imperio Zhou, termino con la consolidación del poder del emperador Qui Shi Huangdi, del que procede el nombre de china, fue enterrado en la provincia de Shanxi. En esta tumba real han aparecido más de 6.000 figuras de terracota destinados a proteger la cripta. Este ejercito de terracota estaba pintado con una amplia gama de brillantes colores que el paso del tiempo se ha encargado de apagar, el deseo de protección durante el viaje al mas allá seguía siendo un importante elemento en las practicas funerarias.
· PINTURA
Las tumbas seguían siendo el objetivo primordial de artistas y arquitectos y los temas pictóricos más frecuentes eran episodios de la vida en el más allá y leyendas de antiguos héroes. Representar del espacio y la distancia. También aparecieron los primeros e incipientes elementos de representación del paisaje, aunque se limitan a algún arbolito o montaña; los palacios estaban decorados con grandes retratos de los emperadores y con murales.
· TUMBAS Y OBJETOS FUNERARIOS
Las pinturas que decoraban las tumbas han desaparecido también y solo se conserva la parte arquitectónica. La elaborada construcción de las tumbas habla de la sofisticada tecnológica que existía en materia de arquitectura: las bóvedas y las columnas vinieron a sustituir a las estructuras de madera y de tierra prensada de las anteriores dinastías. Dentro de las tumbas, gran profusión de objetos en miniatura que generalmente reproducían las posesiones, animales o edificios del difunto. Se llamaban ming-qi (bienes espirituales) y solían estar realizados en cerámica vidriada o pintada con vivos colores, miniaturas de las casas, del corral, de los animales domésticos y criados favoritos y un surtido de objetos de uso cotidiano. Las cámaras mortuorias subterráneas del príncipe
Liu sheng y de su esposa Tou Wan, contenían un gran despliegue de artículos de laca, sedas, cerámica y vasijas de bronce, algunas dorados y otros con incrustaciones de oro. Los dos cuerpos estaban envueltos en vestidos de jade, realizados con trocitos rectangulares de esta piedra unidos con hilos de oro, en china simboliza la vida eterna. Según los arqueólogos se tardo más de diez años en confeccionar cada traje.
Los siglos que siguieron, durante los cuales los clanes rivales trataron de controlar partes del imperio, se conocen como el periodo de las seis dinastías. Durante este periodo el arte recibió la influencia de nuevas ideas y conceptos religiosos, como el confucianismo y el taoísmo, que propiciaron un cambio de temas y estilos.
DINASTIA TANG: proporcionó un gran desarrollo artístico, por lo que este periodo se conoce como la edad de oro de china. El país había sido consolidado en primer lugar, durante el breve mandato de la dinastía sui. La estabilidad de gobierno y la prosperidad económica consecuente, propiciaron un florecimiento de rodas las manifestaciones artísticas: pintura, cerámica, metalistería, música y poesía. Los budistas padecieron periodos de persecución durante la era de tang, pero el arte chino perduro la influencia de su religión. De aquel periodo se conservan las pagodas de piedra y las pinturas del monasterio, la escultura monumental en piedra revela una creciente tenencia hacia las figuras corpulentas, llenas de sensualidad. Este interés por el volumen es la principal característica de la escultura tang, tanto religiosa como profana, que se aprecia en la pintura, la piedra y la cerámica. Son muy pocas las imágenes budistas de metal porque durante los periodos de actividad anti budista se fundían ´para acuñar monedas.
· PINTURA
A pesar de que la pintura budista mantuvo importancia durante este periodo, la tradición paisajística paso a un primer plano. Se conoce el nombre de tres pintores wand wei, creador del paisaje monocromo, prefería los paisajes nevados. Sus obras sirvieron de modelo para otros pintores, y la intimidad y tranquila melancolía plasmadas en ellas fueron muy apreciadas por los artistas posteriores contrastando con su estilo está el de Li Se-hiun y su hijo Li Chao-tao. Una copia de la obra de este último viajero en la montaña deja constancia del éxito de un monarca tang, como muchos paisajes de este periodo, está realizado en tonos azules, verdes y azules brillantes y presenta un panorama con formaciones rocosas y frondosos árboles. Este estilo estaba muy alejado de las composiciones más sencillas de pintores como Wang wei.
En este periodo se perfecciono la pintura de retratos iniciada en la era han. Los emperadores encargaban la pintura de retratos de sí mismos y de sus predecesores para las colecciones imperiales. También se acostumbraba a decorar las cámaras funerarias con retratos de los difuntos y de los miembros de su familia.
· ARTES DECORATIVAS
La innovación es la principal característica del periodo tang en lo relativo a los entes decorativos. La influencia de comerciantes y artesanos procedentes de oriente próximo estimulo la aparición de nuevos estilos en metalistería y cerámica. Los frascos de viaje, platos de plata y oro, con gran variedad de formas recuerdan las tradiciones de Asia central. Los cacharros de loza, sobre todo jarras y vasijas para beber, se parecían mucho a la orfebrería persa y estaban basados en modelos de metal. Es importante la cerámica de este periodo pues gracias a una técnica desarrollada en el sur de china fue posible conocer una sustancia blanca, de grano fino que hoy se conoce como porcelana.
DINASTIA SONG: En los años que siguieron a la caída del gobierno tang el territorio de china quedo reducido como consecuencia de las invasiones de pueblos vecinos. Los emperadores Song no eran tan poderosos como sus predecesores han o tang. Las artes de la época denotan una introspección y un refinamiento q cultivaron como respuesta a las ásperas realidades políticas. Los emperadores Song se caracterizaban por ser muy ilustrados y muchos de ellos eran incluso artistas.
· PINTURA
Con frecuencia se alude a la pintura de este periodo, abundante en escuelas y estilos, como la mayor realización del arte Song se fundó una academia real de pintura y la propia corte patrocino a numerosos artistas. La familia real prefería los temas de pájaros, de flores, retratos de los animales de compañía y de los niños. Muchas de las pinturas de este periodo sirvieron de patrón para juzgar obras posteriores y muchos pintores chinos actuales continúan trabajando en los estilos cortesanos de la pintura Song.
Sin embargo, la dinastía Song es más conocida por la pintura de paisajes, durante el periodo Song del norte los pintores solían inclinarse por un estilo monumental, logrando impresionantes panorámicas. Artista como Li ch’eng, maestro de los planos horizontales lejanos y fran k’uan, pionero en la técnica del sombreado y punteado destacaron en este estilo con sus imponentes dibujos de acantilados rocosos interrumpidos por alguna catarata o por un grupo de figuras pequeñas. La ejecución técnica es muy compleja con pinceladas superpuestas que crean ilusión de textura. Por aquella época apareció también la pintura de los letrados. Estos eran artistas independientes que discrepaban con los estilos de la academia y creaban sus propios paisajes.
En el siglo XII la familia real Song se vio obligada a huir hacia el sur, y se restableció en la ciudad de Hangzhou, durante esta época. Conocida como Song del sur (1127-1279). La academia de pintura imperial creó un estilo de paisaje conocido como escuela de Ma-Xia por el nombre de sus dos principales representantes, Ma Yuan y Xia Gui. La expansión alcanzada por el estilo Song del norte les llevo a crear paisajes menos elaborados, utilizando las veladuras para sugerir la masa terrestre y para conferir a la obra un aspecto ligero y etéreo. Los pintores de la academia oficial rechazaban el estilo de pincelada libre y muy suelta y lo calificaban como “obra de borrachos locos”
· CERAMICA
La cerámica de los periodos Song del norte y del sur es comparable con la pintura de paisajes en cuanto a variedad y realizaciones. Entre los productos más bellos denominados clásicos, de los hornos del norte, esta loza ting, en la provincia de Hebei, una cerámica blanca con barniz transparente de color marfil decorada con motivos delicadamente tallados o estampados, ente los que abundan los capullos de loto, en origen símbolo budista, pero más frecuentemente en el arte profano de la dinastía Song. Las formas eran muy variadas, aunque abundaban los cabezales, los jarrones y los objetos en miniatura, que se utilizaban probablemente como juguetes.
Algunas piezas de cerámica fina se elaboraban expresamente para uso imperial y tenían carácter de Kuan. Los monjes budistas preferían tomar el té en brillantes cuentos vidriados de loza de chien.
· ESCULTURA
Las formas plenas de la dinastía tang continuaron en la escultura Song. Los éxitos más notables se alcanzaron en las figuras budistas, en las que con frecuencia la arcilla y la madera suscitan a la piedra. La arcilla, de gran plasticidad, permitía plasmar las formas del cuerpo con más facilidad y con ella se obtenían sorprendentes resultados de parecido con el natural.
DINASTIA YUAN
La innovación de los mongoles produjo alteraciones en la naturaleza del arte chino, sobre todo en la pintura y en la escultura. Aunque los gobernantes extranjeros tenían interés en perpetuar la cultura china, la mayoría no estaban a gusto en la corte y se retiraron. La pintura y la caligrafía fueron las artes mas cultivadas por estos ex funcionarios. Wen-jen-hua, el arte de los aristócratas letrados durante la dinastía Song, fue durante el periodo yuan (1279-1368), y en lo sucesivo, la escuela artística más importante. Al principio del periodo yuan, los artistas oficiales recibían encargos de obras basadas en estudios de pájaros y de flores de la época Song en los paisajes de la escuela Ma-Xia.
· PINTURA
La porcelana de los pintores Wen-Jen era más acentuada y segura que la de los artistas Song del sur. Las rocas y arboles aparecen con fuerza en la obra de los pintores yuan. Ya no se utiliza la bruma para sugerir la distancia y el infinito. El paisaje continuo a la cabeza de los temas representados y se introdujeron zonas de color y variaciones de ejecución que recordaban a los primeros paisajistas de la era tang.
· CALIGRAFÍA
Desde los tiempos anteriores a la era tang la caligrafía estaba considerada como una rama de la pintura. Se hizo muy popular durante la dinastía yuan por su relación con las aspiraciones de los Wen-Jen. Junto con la poesía y la música constituía una parte importante de la formación intelectual de los caballeros. La caligrafía, como la pintura, da fe de las posibilidades, casi infinitas, del pincel. Los caracteres representados se ajustaban a una gran variedad de estilos, desde los grabados arcaicos sacados de las vasijas de bronce hasta las formas más libres que recordaban a los pintores Zen.
· PORCELANA
La corte de los mongoles hizo grandes progresos en las técnicas de fabricación de porcelana. Hacía tiempo que se conocía la tecnología para la fabricación de porcelana, pero la decoración en color planteaba serios problemas porque eran pocos los pigmentos capaces de desistir las altas temperaturas necesarias para cocer la base de arcilla blanca. En el periodo Yuan se descubrió que el mineral de cobalto adquiría un bonito color azul profundo al ser cocido a altas temperaturas. Este blanco que durante siglos se vendería en los mercados chinos, en los países musulmanes y en Europa. El oxido de cobre resulto también utilizable como agente decorativo y se creó una clase de porcelanas decorada bajo cubierta en tonos rojos.
· ARQUITECTURA
Los mongoles también aportaron en el campo de la arquitectura. Hoy se cree que la arquitectura. Hoy se cree que las estructuras originales de la capital mongola, Pekín, eran mayores que las estructuras Ming que las sustituyeron. Las edificaciones Yuan solían contar con una serie de salones, construidos uno al lado del otro, con el fin de poder celebrar al mismo tiempo banquetes, audiencias reales y actos oficiales. El proyecto de gran ciudad imperial ideado por los arquitectos de la época Yuan para planificar Pekín siguió vigente durante las dinastías Ming y Qing con algunas modificaciones.
DINASTIA MING: la corte fundo inmediatamente una academia real de pintura que atrajo principalmente a los pintores de pájaros y de flores y a los paisajistas de la escuela Ma-Xia. Salieron numerosos artistas importantes entre los que destacan Shen Cheu y Wen Cheng-ming. Ambos eran caballeros cultivados y practicaban la pintura y la caligrafía. Wen Cheng-ming se decantaba por temas más simples como un árbol o una roca, y su obra transmite la fuerza que de la soledad, quizá como reflejo de su desencanto ante la vida oficial.
· CRÍTICA Y ESTUDIO DEL ARTE
Alcanzo su apogeo durante la dinastía Ming, de manos de Tong-K’i ch’ang, pintor, crítico, coleccionista y erudito, un escrito trata de la identificación de las escuelas de pintura del norte y del sur, la escuela del norte, que tiene su origen en la familia Li en los siglos VII y VIII, incluía a las generaciones posteriores de pintores oficiales. Esta escuela se caracterizaba por su falta de innovación, su dependencia de los dictados de la corte y su imitación servil del pasado.
· CERAMICA
El periodo Ming es famoso por sus artes decorativas. La producción de cerámica aumento de forma considerable y se produjo una gran expansión del mercado debido a la gran democracia de porcelana vidriada en azul-y-blanco y roja para la exportación.
En la época Ming se introdujo una nueva técnica que permitía conocer primero la pieza de porcelana a altas temperaturas y, posteriormente, decorarla con una sustancia compuesta por vidrio de plomo de color verde, amarillo o rojo, este procedimiento se conoce como esmaltado. Gracias a este invento se pudo decorar la cerámica con una infinita variedad de brillantes colores.
· TEXTILES
Los gobernantes de la dinastía Ming eran grandes aficionadas a las antigüedades y preferían los temas que recordaban motivos antiguos. Se elegían elaboradas decoraciones con figuras de origen Tang o Song, los avances técnicos trajeron sofisticadas innovaciones en el campo textil, como tapices de seda; el atuendo corriente en la corte eran los vestidos con dragones mientras que el emperador se reservaba el derecho de llevar vestidos con los motivos taoístas arcaicos.
· LACA, JADE Y BRONCE
Estaban realizados en laca tallada, una antigua modalidad artística que se remonta a la era Zhou; las bandejas y otros accesorios domésticos estaban primorosamente decorados son dragones, figuras y motivos florales. En la fabricación de recipientes de bronce, que solían ser braseros o pebeteros, se imitaban de forma deliberada los estilos del pasado.
DINASTIA QUING: la dinastía Ming estuvieron marcados por grandes luchas políticas internas. Esta situación era observada por la vecina Dongbel Pingyuan, que aprovechando las revueltas se hizo con el poder.
· PINTURA
La calidad de su producción no iba más allá de la buena imitación de los estilos Song, las mejores pinturas procedían de los artistas letrados; surgieron dos escuelas bien diferenciadas de wen-jen-hua los que basaban su obra en los maestros del periodo Yuan y los llamados individualistas, que practicaban una pintura más libre, menos restringida.
La otra escuela de wen-jen rechazaba el enfoque ortodoxo de los seguidores de los modelos Yuan, se esforzaban por cultivar un estilo personal de ejecución. Aunque muchas de sus figuras parecen distorsionadas, nunca llegan a ser abstractas y sus pájaros y rocas, dibujados velozmente conservan una forma orgánica. Se publico un tratado en el que defendía la independencia del artista frente al ciego servilismo a la obra de los antiguos maestros.
· CERAMICA
Las artes decorativas del periodo Qing denotaban mas técnica que belleza. El proceso de esmaltado se perfecciono durante esta época, junto con innumerables nuevos tonos para la porcelana de vidriado monocromo. Las piezas más interesantes salían de los pequeños talleres de provincia donde los alfareros, sin competir con los hornos imperiales, creaban delicadas piezas por encargos locales.
OTRAS ARTES DECORATIVAS: los estilos ornamentales preferidos en la época Ming fueron seguidos por los artistas Qing en metalistería, laqueado y talla en jade. Eran únicos trabajando con minuciosidad el cristal soplado y, tanto en china como fuera, eran muy populares los frascos de rape de vistosos colores.
· ARQUITECTURA
Los mongoles habían rechazado el delicado estilo Song e iniciaron una tendencia hacia las estructuras más bajas y macizas, que fue adoptada por los arquitectos Ming. Los emperadores Qing preferían interiores amplios, casi monótonos, desprovistos de detalles. El color desempeña un importante papel en estos edificios de tejados dorados, molduras rojas y escaleras de mármol blanco. También existen algunas variantes, como la residencia veraniega de Yuan Ming Yuan, del siglo XVIII, basada en el estilo del palacio de Versalles de Francia. En el extremo opuesto se encuentra el Altar del Paraíso, estructuras circular de tres pisos, inspirada en las descripciones de los estilos arquitectónicos anteriores a la dinastía Han.
2. Cuáles fueron los principales desarrollos técnicos de la china antigua.
En el interior de china en la provincia de Sichuan esconde una de las maravillas tecnológicas del mundo: el poso de xinhai, se destaca por la profundidad de 1.001 m. es el logro de una industria que invento la perforación a gran profundidad; crearon elaborados sistemas de extracción y refinamiento para obtener la preciada sal. Toparon incluso con yacimiento de gas natural y fueron los primeros que hicieron de este uso comercial. Hoy se considera que la perforación profunda es una de las grandes innovaciones de la china antigua, en pie de igualdad con las invenciones del pape, la imprenta, la pólvora y la brújula. La industria china de la sal es en cierta forma, la pionera de la actual técnica de extracción del petróleo, la excavación de posos resultaba más barata que la importación de sal marina.
Estos posos de mina solían ser muy rentables pero perdieron su importancia económica tras el desarrollo de la perforación a gran profundidad y la aparición de la técnica de taladro
· Surge la industria textil, y así mismo la manipulación del cáñamo, fue la primera planta fibrosa de china la cual se utilizo principalmente para cuerdas
· El vidrio también fue uno de los avances técnicos de la china, sirvió de sustito de la alfarería pero cuanta con la especial cualidad de ser transparente, su más primitiva aplicación fue el esmaltado que es el revestimiento con vidrio
· La porcelana blanca y translucida, de resonancia metálica, se había venido fabricando en china con caolín y caliza de grano muy fino
· En el siglo V sin embargo la porcelana china azul y blanca dio un impulso a la alfarería en el oriente próximo
3. Defina como se representan en los artilugios de la época las funciones del diseño
De acuerdo con análisis realizados a los artilugios de la época en cuanto a las funciones del diseño se puede concluir, que la mayoría de estos cumplían a cabalidad cada una de estas funciones; haciendo referencia a la función practico-técnica, se afirma que objetos como: vasijas, bandejas recipientes y objetos domésticos, de algún modo se utilizaron siempre para lo que fueron destinadas, algunas de estas funciones son; contener, transportar y almacenar ya fuesen alimentos o bebidas. De otro modo la función simbólico-comunicativa, se logra evidenciar claramente en objetos como: objetos funerarios, algunos de estos como pinturas, objetos en miniatura que generalmente reproducían las posesiones, animales, y edificios del difunto; que le proporcionaban comodidad y protección al difunto en el otro mundo. Monstruos totémicos tales como representaciones de animales que adquirieron un carácter más profano y se utilizaban como regalos de bodas. Artículos de laca, seda, cerámica, jade y vasijas de bronces eran utilizados para la ambientación de la tumba, cada uno utilizados para diferentes conceptos, por ejemplo el jade en la china, simbolizaba la vida eterna. En cuanto a la función formal-estética, se decoraban lujas tumbas, en ellas se colocaban vasijas de bronce con formas complicadas y en ellas pequeñas incrustaciones de oro decorativas, armas, jades tallados y objetos de cerámica. Las paredes de la cámara mortuoria se decoraban con escenas ornamentales, talladas o pintadas.
4. A partir de imágenes y fotografías haga un paralelo visual entre china y la cultura estética de hoy (artes, diseños y artesanías) utilizando para su diagramación la técnica del collage. (objetos, construcciones, vestuario, carteles etc.)
REFERNCIA
5. Defina las principales características culturales de la india
LA INDIA
Se caracteriza por un gran sentido del dibujo, patente tanto en sus formas modernas como en las tradicionales. El arte de la india debe ser comprendido y juzgado en el contexto de las pretensiones y necesidades ideológicas, estéticas y rituales de su civilización; divide el universo de la experiencia estética en tres elementos distintos, aunque relacionados entre sí: los sentidos, las emociones y el espíritu. Estos elementos dictan las normas para la arquitectura, como un instrumento para cerrar y transformar el espacio, y para la escultura, en su volumen, plasticidad, modelado, composición y valores estéticos.
El arte indio por medio de un sensualidad y una voluptuosidad deliberadas, funde ambas a través de un complejo simbolismo que, por ejemplo, trata de transformar la carnosidad de un cuerpo femenino en un misterio perenne de sexo y creatividad, en el cual la momentánea esposa se revela como la madre eterna.
El artista indio utiliza algunos motivos, como la figura femenina, el árbol, el agua, el león y el elefante, en una composición determinada; aunque el resultado sea a veces inquietante en lo relativo a los conceptos, en lo que se refiere a la vitalidad sensual, el sentido de lo terrenal, la energía muscular y el movimiento rítmico permanecen inconfundibles. Todos los elementos que conforman la pintura india, como la forma del templo, los contornos de los cuerpos de los dioses hindúes, la luz, la sombra, la composición y el volumen están encaminadas a glorificar el misterio que resuelve el conflicto entre la vida y la muerte, entre el tiempo y la eternidad.
El arte indio manifestado en la arquitectura, la escultura, la pintura, la joyería, la cerámica, la metalistería y los tejidos se extendió por todo oriente en la difusión del budismo y el hinduismo y ejerció una gran influencia sobre el arte de china, Japón, Myanmar, Tailandia, Camboya y java. La religión musulmana prohíbe la representación de la figura humana en los contextos religiosos, por lo que la decoración paso a representar motivos geométricos.
ARQUITECTURA
La primera muestra de arquitectura india fue la construcción de edificios de ladrillo, estructuras de madera. Estas últimas fueron desaparecieron a lo largo de los siglos, pero fueron imitadas por construcciones de piedra que aun siguen en pie.
ESTILOS PRIMITIVO INDIO Y PRIMITIVO BUDISTA
Los restos arquitectónicos más antiguos de la india son los edificios de ladrillo quemado encontrados en las ciudades de mohenjo-daro y harappa (actual Pakistán)
La stupa es una construcción absolutamente maciza, recubierta de piedra. En la cima de la cúpula se encuentra una columna o mástil que sostiene de tres a nueve parasoles. En torno al recinto de la stupa se alza una balaustrada de piedra con portales en cada uno de los puntos cardinales. Las reliquias, que se depositaban en un relicario, se guardan en el interior de la stupa, donde también se depositan ofrendan de oro, joyas y monedas. El mejor ejemplo de estas estructuras destinadas a presentar a buda como el eje y señor del mundo es la se sanchi, que fue comenzada por el emperador asoka y ampliada en épocas posteriores. Otros tipos de monumento búdico son los chaitya o templos rupestres. El termino chaitya designaba en un principio todo lugar sagrado o de culto. Pero se llamo así a los santuarios budistas, excavados en las paredes de la roca e colinas solitarias dedicadas a tal uso. En los detalles arquitectónicos, como capitales y molduras, se aprecia la influencia de los estilos procedentes de oriente y Grecia.
ESTILOS JAINÍ E HINDÚ
A partir del siglo V se produjo el ocaso del budismo con el auge del hinduismo y el jainismo. Los estilos inherentes a estas dos religiones se mezclaron para dar lugar a los elaborados motivos que constituyen el distintivo de la arquitectura india y que aparecen tallados repetitivamente formando cenefas. Los jainies solían hacer construcciones gigantescas coronadas por cúpulas puntiagudas construidas a base de ménsulas de piedra escalonadas. Entre las torres conmemorativas del estilo jainí destaca la jaya stambha, o torre de la victoria, de nueve pisos, ricamente ornamentada.
El estilo hindú está estrechamente relacionado con el jainí. Se divide en tres generales: el septentrional, el central y el meridional o dravidiano. Entre los tres periodos el estilo está marcado por el exceso de ornamentación y por los tejados piramidales. Las cúpulas en espiral se terminan en delicados florones, otros rasgos que caracterizan a este estilo arquitectónico son las complicadas gopuras, o puertas de gran tamaño, y los choultres, o salones ceremoniales.
ESCULTURA
La escultura prehistórica primitiva se realizaba en piedra, arcilla, marfil, cobre y oro.
PERIODO PRIMITIVO
En el valle del indo, entre los restos de los edificios de ladrillo quemado de mohenjo-daro, han aparecido objetos del III milenio a.c. entre los que hay figuras de alabastro y mármol, figurillas representando a las diosas desnudas y animales en terracota y loza fina, de un modelo de una carreta en cobre y numerosos sellos cuadrados de marfil y loza con animales y pictografías. La similitud de estos objetos con las obras de Mesopotamia en cuanto a los temas y a las formas estilizadas indica la existencia de una relación entre las dos culturas y un posible origen común. Entre los objetos posteriores, hay discos de piedras pulidas y ornamentadas, y monedas que representan diferentes tipos de animales y símbolos religiosos.
ESCULTURA BUDISTA
Con la llegada del budismo en el siglo III a.c. tiene lugar la evolución de una arquitectura monumental en piedra, que se complementa con escultura de bajo y altorrelieve. La figura de buda no estaba presente en el arte primitivo indio y se recurría a símbolos y a escenas de su vida, a representaciones de deidades budistas y de leyendas edificantes. En aquella época, las figuras y ornamentación se disponían en complicadas disposiciones, los monumentos más destacados de este periodo son los capiteles con formas de animales de los pilares de arenisca para los edictos del rey asoka, y las barandillas de mármol que rodean las stupas de bharhut, cuyos relieves parecen estar comprimidos entre la superficie y el fondo.
En el noreste de india, en una región que se llamaba ghndhara y que ahora comprende Afganistán y parte del punjab, surgió una escuela de escultura que combinaba la influencia de las formas griegas con los temas budistas.
En el periodo gupta, se realizaron figuras de buda con líneas claramente definidas y depurados contornos, envueltas en vestiduras diáfanas que se pegaban al cuerpo como si estuvieran mojadas. Estas figuras eran frecuentemente de gran tamaño.
ESCULTURA HINDÚ
Se tallaron relieves para adornar los santuarios excavados en la roca de udayagiri, y los templos de garhwal. Numerosas escuelas florecieron entre el siglo VII y el IX. A ellas pertenecen el estilo pallavas, de alto nivel arquitectónico.
Desde el siglo IX hasta la consolidación del poder musulmán a principios del siglo XIII, la escultura india fue poco a poco volviéndose hacia foemas lineales, mas de contornos pronunciados que de volúmenes. Cada vez se utilizaba con más frecuencia como decoración subordinándola al entorno arquitectónico. Era rica en intrincados detalles y se caracterizaba por figuras de múltiples de brazos sacadas del panteón de los dioses hindúes y jainies, que venían a sustituir a las sencillas figuras de los dioses budistas, y a la multiplicidad de formas había que añadir la importancia del dominio técnico.
Se utilizaba sobre todo la pizarra negra y los caballos monumentales y los frascos eróticos del templo del sol en konarak. Los templos se embellecían con frascos y pilares y ménsulas tallados en fina piedra oscura. Cuando los musulmanes se hicieron con el poder en el siglo XIII, adoptaron muchos de los motivos nativos para sus ornamentaciones. Las tradicionales se han mantenido hasta la época actual, sobre toso en el sur, donde el arte aun conserva su pureza indígena.
PINTURA
Loa más antiguos murales de la época representan figuras indígenas de noble aspecto y fuerte sensualidad. Las pinturas de la cueva de jogimara en Orissa pertenecen a dos periodos, al siglo I a.c. y a la época medieval, las primeras de dibujos más vigorosos y mejor calidad que las segundas.
El arte era el medio explicito de dar a conocer los conceptos espirituales y, por medio de la pintura sobre rollos, se representa la recompensa del bien y las hazañas del maligno en el mundo, en tres de las cuevas de ajanta se conservan pinturas pertenecientes a este periodo, entre las que hay representaciones de budad, mujeres dormidas y escenas de amor.
Las pinturas de la primera y segunda cuevas de ajanta de principios del siglo VII y tienen un estilo muy similar a las del periodo gupta. Representan bacanales del género que se repite en el arte budista desde el periodo kusana en adelante.
La pintura mongola, derivada de la sofisticada tradición persa, era un arte cortesano patrocinado por los emperadores, reflejaba un interés exclusivo por la vida seglar y se basaba esencialmente en el retrato y en la crónica histórica. Los manuscritos o las hojas de álbum sueltas están realizados con un detalle realista de gran precisión y denotan la influencia occidental.
Hacia el siglo XIX la pintura tradicional india estaba desapareciendo, los artistas se limitaban a copiar los estilos occidentales, ya que bajo el mandato británico se había empezado a filtrar las influencias europeas. A principios del siglo XX revivió el interés por los estilos antiguos, surgieron centros artísticos en Bombay, y sobre todo en bengala se practicaban multitud de estilos desde los de janta, rajputa y mogol hasta el impresionismo, el postimpresionismo y el surrealismo. Algunos artistas, se inspiraron en el arte de ajanta; otros encontraron su fuente de inspiración en el arte popular bengalí. Hacia mediados del siglo XX, la pintura india había adquirido aroma internacional y los artistas indios utilizaban diferentes lenguajes en sus obras.
JOYERIA, CERAMICA Y TEXTILES
La joyería es, entre las artes decorativas indias, la más bella y la que más interés despierta universalmente. Las técnicas de la filigrana y del granulado, que desaparecieron en Europa después de la caída del imperio romano y que no volvieron a emplearse hasta su introducción por los árabes en el siglo XV, no se han perdido nunca en la india.
Las características especiales que distinguen la mejor cerámica india son la estricta subordinación del color y la ornamentación a la forma, y la repetición de formas naturales en la decoración. En toda la india se trabaja la cerámica sin vidriar, aunque en varias provincias se fabrican distintas variedades de piezas decorativas, con fines comerciales, pintadas decoradas y vidriadas. Los azulejos vidriados que se pusieron de moda con la conquista musulmana, después del siglo XI, ofrecen un exquisito colorido y bellas combinaciones. En la rama de la metalistería artística destacan las armas y pertrechos de los militares de alta graduación, en bengala occidental, producen suntuosos brocados. India ha destacado siempre por sus tejidos de seda y de algodón, en estampados y bordados, y por sus tapices.
6. Cuáles fueron los principales desarrollos técnicos de India.
· el uso de derivados del petróleo es muy anterior al uso del gas de hulla. Entre el Nilo y el Indo hay al menos treinta yacimientos de petróleo en la misma superficie.
· La Civilización del Valle del Indo, situada en un área rica en recursos es relevante por su temprana aplicación de las tecnologías sanitaria y de planificación civil. Las ciudades del valle tienen unos de los primeros ejemplos de baños públicos, cloacas cerradas y graneros comunales.
· La India antigua fue también puntera en la tecnología marítima
· La arquitectura y técnicas de construcción indias, llamadas 'Vaastu Shastra', sugieren una comprensión profunda de la ingeniería de materiales, la hidrología y los servicios sanitarios.
· La cultura india fue también pionera en el uso de tintes vegetales, como el índigo y los procedentes del cinabrio. Muchos de estos tintes se emplearon en pinturas y esculturas. El uso de perfumes demuestra conocimientos químicos, especialmente de los procesos de destilación y purificación.
7. Defina como se representan en los artilugios de la época las funciones del diseño
haciendo referencia a los artilugios existentes en India, es correcto afirmar que estos eran sustentados en las funciones del diseño. En cuanto a la función simbólico-comunicativa, elementos como: esculturas, pinturas y manuscritos eran empleados para dar a conocer conceptos espirituales, representar dioses, divinidades budistas y escenas de la vida de buda. Otro de los elementos con alta carga de simbolismo es el tapiz de suelo que adquiere un valor religioso que se remonta a los orígenes de su historia. En cuanto a la función formal-estética, los objetos más representativos son: vasijas, platos, teteras, pinturas, estatuas y estatuillas con múltiples formas y medidas, y que al igual que los pigmentos y los tejidos adoptan las más variadas tonalidades que generan una agradable experiencia visual, los tejidos y la tapicería son de gran importancia en la decoración oriental. Proliferan las sedas, las lanas y el algodón en sus versiones mas naturales y a la vez más sofisticadas; con laboriosos bordados y tejidos con hilos de oro y plata. Y la función practico-técnica, se evidencia en diversos elementos como: cazuelas de barro con tapa cónica, utensilio domestico usado a diario para la cocción de alimentos, teteras en estaño, plata y cobre y otros artilugios usados en la ceremonia del té, cajas y expendedores de esencias, platos de cerámica, entre otros.
8. A partir de imágenes y fotografías haga un paralelo visual entre India y la cultura estética de hoy (artes, diseños y artesanías) utilizando para su diagramación la técnica del collage. (objetos, construcciones, vestuario, carteles etc.)
AFRICA
9. Defina las principales características culturales de china.
El continente africano acoge una gran variedad de culturas, caracterizadas cada una de ellas por un idioma propio, unas tradiciones y unas formas artísticas caracterizadas, hay considerables evidencias que confirman toda una serie de influencias entre ambas zonas a través de las rutas comerciales que atravesaron África desde tiempos remotos. Las investigaciones apuntan a una influencia reciproca entre estas zonas del sur con las tradiciones artísticas y culturales de aquellas regiones del norte de África más cerradas al mediterráneo. El arte Egipto, uno de los más brillantes de África, tiene importante conexiones artísticas y culturales con las civilizaciones africanas al sur del Sahara.
Las artes africanas son fiel reflejo de las ricas historias, filosofía, religiones y sociedades de los habitantes de este vasto continente; los artistas accidentales del siglo XX han admirado la importancia que se concede a la abstracción en el arte africano. La historia del arte africano se remonta a tiempos prehistóricos. Entre las formas artísticas más antiguas están las pinturas y grabados en piedra de Tassili n’Ajjer y Ennedi, otros ejemplos de arte primitivo son las esculturas modeladas en arcilla de los artistas de la cultura Nok, también en los decorativos trabajos de bronce Igbo-Ukwu, las magnificas esculturas de bronce y terracota de ife, las ricas tradiciones artísticas africanas continúan hoy en día, tanto en su línea más tradicional como a través de nuevos y renovadores modos de expresión.
· HERENCIA ARTISTICA AFRICANA
La tradición artística africana abarca la escultura (en forma de figuras y más caras), la arquitectura (principalmente estructuras de tipo domésticos), la decoración corporal (que comprende pinturas, peinados, tocados y tatuajes o incisiones)
· MATERIALES
Los materiales empleados son la madera, las fibras textiles, el metal (especialmente bronce, hierro y oro); marfil, la arcilla, la tierra y la piedra, con unos estilos artísticos en consonancia con la tradición estética establecida en cada área cultura. En el arte africano se presenta considerable atención en la estimulación de la creatividad y la innovación dentro de los parámetros de cada tradición artística.
· ARTISTAS
En ciertos reinos antiguos, como el de Benín en Nigeria, la formación de los jóvenes artistas era controlada por importantes y activos gremios. Entre los cercanos yoruba se fueron desarrollando escuelas de artistas a partir de grupos familiares locales, la profesión artística se vio como algo hereditario, pasando el talento de generación en generación y relacionando muchas veces la creatividad y el éxito a cualidades divinas heredadas de los ancestros. El lugar de trabajo y los materiales empleados fueron también elementos importantes para el artista durante el proceso creador.
· ESTETICAS
Estudios estéticos llevados a cabo por artistas y críticos de África señalan una deliberada preocupación por la abstracción; los yoruba de Nigeria los cánones de belleza de una escultura descansan sobre diversos elementos expresamente no figurativos. Entre estos están: la expresividad, aun cuando para ello haya que recurrir a la distorsión de las proporciones; la pureza, que implica juventud y buena salud; la simetría con exclusión de actitudes o posturas más naturales; aspecto efébico, que es la representación idealizada de cada personajes en su edad juvenil; la tersura, surgiendo de nuevo la idea de lo joven y sano y la hipermimesis, enfatizando los caracteres generales más que las representaciones fidedignas y exactas de la realidad.
En algunas culturas africanas se aceptaron modelos estéticos intencionalmente distorsionados para retractar personajes de conducta antisocial, hicieron mascaras imitando horrendos y morbosos monstruos de facciones asimétricas para representar con ellas a los individuos revoltosos, malos o peligrosos
· MECENAZGO
El mecenazgo desempeña un destacado papel en la creación de arte africano. Los reyes y cortesanos tienen particular importancia a este respeto por sus continuos cargos artísticos. En arquitectura los palacios de los reyes que habitaron en Nigeria se encuentran entre los más bellos y ricamente decorados de toda África. Los costos materiales puestos a disposición de los gobernantes (marfil, bronce, oro, abalorios y terciopelo) tienen una amplia difusión en las artes promocionadas por estas cortes reales. Los objetos artísticos se encuentran los cetros, báculos, tronos, espadas, coronas, esculturas conmemorativas y vajillas.
Otra fuente importante de mecenazgo para el arte africano fueron las numerosas asociaciones de hombre y mujeres creadas dentro de las respectivas comunidades para controlar los asuntos sociales y políticos; los poro fueron quienes encargaron muchas de las mascaras y esculturas figurativas halladas en esta región; cada gripo o gremio poseía su propio distintivo. Entre los ejagham, las mascaras de las sociedades cazadoras venían caracterizadas por formas animales y los temas de deformidad humana han aparecido asociados con bastante frecuencia a mascaras guerreras; las imágenes de mujeres se utilizaron por regla general para las asociaciones femeninas.
La religión y sus distintas organizaciones de culto fueron también importantes patronos para el arte africano. Los objetos artísticos no fueron solamente un componente importante de los altares y capillas, desempeñaron un destacado papel en las diversas procesiones de carácter religioso que se hacía en las diferentes tribus. Entre los yoruba de Nigeria, los cultos vinculado a las principales divinidades: shango (trueno), Obatala (creatividad, Oshum (agua), ifa (conocimiento), Yemoja (brujería), Eshu (sabiduría) y Odudua (tierra), figuras, mascaras, cerámica, tejidos y joyas. Aquí como en otras partes de África, las piezas artísticas utilizadas en relación con el culto al que representan, se han identificado a través de su iconografía, materiales, estilos y modos de fabricación.
· EL PAPEL DEL ARTE EN LA SOCIEDAD AFRICANA
Los múltiples papeles desempeñados por el arte en las comunidades africanas son tan variados como sus formas de mecenazgo.
Papel social
Una de las funciones más importante del arte africano radica en la diferenciación social, las mujeres suelen representarse como madres, generalmente amamantando o acunando a su hijo. Los hombres, en cambio suelen representarse bien como ancianos, los jefes tradicionales de la comunidad, bien como guerreros montando a caballo o pertrechados para la lucha.
En estas representaciones las características humana y animales, personificadas por seres humanos debidamente vestidos y enmascarados, en las representaciones de los Ijo y de los ibo, al sur de Nigeria, se han encontrado diversos modelos de conducta antisocial, como por ejemplo: el avaro, el codicioso, la prostituta, el médico incompetente y el abogado sin escrúpulos; el chismoso, el glotón y el extraño.
Papel político
El arte africano desempeña también un importante papel dentro del poder político, la gente lleva mascaras imitando a jueces y policías, las mascaras de los Kwele go de gabon son ejemplos particularmente buenos de este tipo de representaciones de la comunidad oficial. Las figuras relicario de los kota, sogo y fang de gabon, por ejemplo, se utilizan como imágenes protectoras para custodiar las ancestrales reliquias sagradas de la tribu de posibles robos o daños.
Papel económico
Los bambara de Mali llevan a las ceremonias y ritos de cultivo y cosecha de los campos elegantes tocados de antílope de madera representando a Chi Wara, mítico inventor de la agricultura aseguran que se sepulto el mismo bajo la tierra como acto de sacrificio.
Papel histórico
El arte africano actúa como referencia o registro visual de importantes personajes o acontecimientos del pasado.
El poderoso reino de Benín en Nigeria, se hicieron igualmente laboriosas planchas en relieve vaciadas en bronce, representando a personajes y acontecimientos del pasado
Papel terapéutico
Las terapias africanas tradicionales han tenido también formas especiales de representación artística. La adivinación, modo de determinar los problemas y su posible resolución, fue particularmente importante a la hora de elaborar objetos artísticos. Los brujos o adivinos yoruba usaron mesas de adivinación laboriosamente esculpidas, cuencos y otros útiles como parte esencial de sus rituales, emplearon también para sus oráculos recipientes y cacharros cuidadosamente labrados.
Diferenciaciones regionales
Las culturas africanas subsaharianas pueden agruparse geográficamente atendiendo a su clima, tipografía y organización social. Algunas de estas culturas han desaparecido, quedando solo sus manifestaciones artísticas.
Artes de la sabana occidental
Entre las tradiciones artísticas más conocidas están las de los dogo, bambara, mossi, bobo y tamberma que habitan las llanuras secas y herbáceas de malí, burkina faso y Togo. Las artes plásticas han sido especialmente bien estudiadas, los dogon tiene una rica y compleja base filosófica sobre la que apoyaron sus producciones artísticas. Sus pobladores, por ejemplo, semejan una forma humana, representando a los nommo, primeros seres humanos creados por el dios sol y creador de los dogon; la cabeza (herrería y casa para hombre), el tórax (casa de los jefes de los distintos clanes o linajes), las manos (casad de las mujeres), los genitales (mortero y altar), y los pies (capillas). Las mascaras representan la imagen que los dogon tienen de mundo en su totalidad, con los animales y gentes que lo habitan. El antílope, el pájaro, la liebre, las mujeres fulani y los hombres samana son algunas de las formas y modelos que aparecen en las representaciones de tipo funerario de esta asociación. Una de ellas, la serpenteante mascara gran madre de 9 metros de largo, rememora a la muerte. Otra, la cruciforme más cara kanaga, recrea, junto con los motivos de danza representados, el origen del mundo. Entre el grupo lingüístico de los tambera de togo, la arquitectura domestica ha alcanzado la cima de belleza y complejidad simbólica. Los “castillos” de barro de 2 pisos utilizados por este pueblo sirven no solo de viviendas, sino también como fortalezas, catedrales teatros y diagramas cosmológicos. Algunas partes del cuerpo se relacionan con determinados elementos de la vivienda y así por ejemplo, la puerta con la boca, la ventana con los ojos, la piedra de moler con los dientes y así sucesivamente.
Los bosques occidentales
En los bosques de la costa occidental, el arte está controlado y patrocinado por asociaciones de hombres y mujeres del tipo de los sande y los poro; tiene particular importancia sus mascaras, bruñidas en negro, que reflejan la belleza y riqueza del mar. La belleza de estas mascaras refleja, a su modo, las características que los mende admiran de sí mismo: una frente elevada, despejada, un tocado ricamente elaborado, y un cuello de marcada elegancia. Los poro, también tiene una importante tradición de mascaras, representan en sus mascaras a diversos personajes relacionados con su asociación, como el juez, el cantante y el corredor. Formas elegantes, superficies negras y brillantes y complicados tocados son sus principales características. Cuando las mascaras no se usaban se guardaban en una casa sagrada especial para ellas bajo la protección del amo o maestro: la cuchara decorada que enseña en las fiestas de la comunidad. En las regiones de la costa atlántica, se han encontrado alguna de las mejores piezas artísticas de carácter aristocrático de toda África.
El palacio del rey era especialmente impresionante. Todos sus muros estaban recubiertos con magnificas y bellas planchas de bronce fundido, de las que se decía que brillaban como el oro. En los altares del palacio real se desplegaban cabezas conmemorativas de bronce, tanto para las fiestas privadas como para las oficiales.
Centro, sur y este de África
En las culturas matriarcales del sur de la república democrática del Congo, tienen particular importancia las figuras femeninas. La casa del jefe de los pende, por ejemplo, presenta a menudo sobre su tejado una imagen de mujer a escala natural. Dicha figura sostiene, a veces a un niño.
Entre los primitivos gato, bongo y konso de sudan y etiopia, hubo la costumbre de instalar en lugares destacados del poblado figuras conmemorativas de madera que delimitaban el acceso al mismo, la decoración corporal se convirtió en una importante fuente de manifestaciones artísticas. Las formas circulares utilizadas por los masal, para sus adornos personales aparecen también entre la tribu bantú, de la antigua cultura monomotapa, en Zimbabue, forma, parte, conceptualmente, de estos diseños circulares.
10. cuáles fueron los principales desarrollos técnicos de áfrica
Se presentan claramente caracterizadas diversas instalaciones agrícolas, investigaciones realizadas han encontrado silos subterráneos forrados de cestería, utilizados para la conservación de distintos cereales.
Los primeros africanos que al parecer utilizaron la metalurgia al sur del Sahara fueron melanodermos artífices de la cultura nigeriana de Nok, gracias a la intervención artística e industrial de diferentes metales, ejecutaron a su vez la explotación de una mina de estaño también surge la tecnificación del marfil, el cultivo de grandes cantidades de tejido de algodón, sedas azules y blancos o de colores vivos; el intercambio de diferentes productos, exigía llevar las cuentas de las operaciones y también los recaudadores de impuestos; debían anotar lo que pagaba el ciudadano, por esto se vieron forzados a inventar sistemas que les permitieran recordar datos exactos, gracias a estos procedimientos surge la escritura. Los africanos contribuyeron a la construcción de armas gracias al descubrimiento del bronce y crearon las ruedas macizas, utilizadas al principio en el transporte y luego en la guerra. Se perfeccionaron en la técnica y en la manipulación de materia prima como fibras textiles, la arcilla la tierra y las piedras.
11. Defina como se representan en los artilugios de la época las funciones del diseño
Gracias a las investigaciones realizadas y a estudios más tecnificados, se puede hacer un análisis crítico de cómo las funciones del diseño se ven reflejadas en cada uno de los artilugios de la época; en primer lugar la función practico-técnica se ve reflejada de forma diferente, no suple una necesidad técnica sino como una necesidad representativa o simbólica, sobre algo; por ello se puede decir que los objetos africanos tenían un peso más considerable en la función simbólico-comunicativa, ya que los artilugios que creaban como ( mascaras, objetos artísticos, esculturas, etc.) las mascaras eran utilizadas para una simbología, gremial, representaban y asociaban, el juez, el cantante y el corredor de la tribu; las mascaras también se utilizaban para imitar diferentes personas con un carácter puntal, cuando las mascaras no se usaban se guardaban en una casa sagrada. Los objetos artísticos, principalmente eran utilizados para a ser un atributo religioso y para diferentes tipos de culto vinculados a las principales divinidades; las esculturas eran fabricadas en arcilla, representadas de forma naturalista, se aplicaban a representaciones de conducta antisocial tales como: el avaro, el codicioso, la prostituta, etc. De otro modo la función formal estética se puede ver aplicada en las decoraciones en bronce en cada una de las escultura de arcilla, habían una gran variedad de representaciones formales, por ejemplo: las mujeres eran representadas amamantando y acunando a su hijo, los hombres como jefes de la comunidad, ya fuesen guerreros o pertrechados para la lucha; en cuanto a lo formal, algunas parte del cuerpo se relacionan con determinados elementos de la vivienda, y a si, por ejemplo, la puerta con la boca, la venta con los ojos, etc. El palacio el rey tenía una gran carga estética, ya que todos sus muros estaban recubierto con magnificas y bellas planchas de bronce fundido por último se puede clasificar en la función formal-estético, la decoración corporal (pinturas, peinados, tocados, tatuajes o incisiones).
12. A partir de imágenes y fotografías haga un paralelo visual entre china y la cultura estética de hoy (artes, diseños y artesanías) utilizando para su diagramación la técnica del collage. (objetos, construcciones, vestuario, carteles etc.)
REFERENCIAS
